Dal 14 marzo al 23 agosto 2026, le sale rinascimentali di Palazzo Strozzi si trasformano in un viaggio immersivo nel mondo di Mark Rothko. La mostra Rothko a Firenze non è soltanto un’esposizione: è un dialogo tra epoche, sensibilità e linguaggi visivi. Da una parte la grande tradizione artistica italiana, dall’altra uno dei protagonisti assoluti dell’arte del Novecento, figura cardine dell’Espressionismo astratto americano.

Curata da Christopher Rothko ed Elena Geuna, l’esposizione è stata concepita appositamente per la cornice fiorentina e racconta un legame sorprendente tra l’artista e la città. Con oltre settanta opere, molte delle quali mai mostrate prima in Italia, la mostra riunisce prestiti straordinari provenienti da istituzioni come il Museum of Modern Art di New York, il Metropolitan Museum of Art, la Tate di Londra, il Centre Pompidou e la National Gallery of Art di Washington.

Il risultato è un percorso potente e viscerale che attraversa tutta la carriera dell’artista: dagli esordi figurativi alle iconiche tele dominate da campi cromatici sospesi, capaci di ipnotizzare lo sguardo e trasformare la pittura in un’esperienza quasi spirituale.

«Sono diventato pittore perché volevo elevare la pittura allo stesso grado di intensità della musica e della poesia.»

— Mark Rothko

Le origini di un visionario

Prima di diventare il maestro delle superfici di colore che conosciamo oggi, Rothko è stato un giovane emigrato in cerca di identità. Nato nel 1903 a Dvinsk, nell’allora Impero russo, con il nome di Marcus Rothkowitz, arriva negli Stati Uniti da bambino insieme alla famiglia, stabilendosi a Portland.

Negli anni Venti si trasferisce a New York, città che diventerà il centro della sua formazione artistica e intellettuale. Dopo un breve passaggio alla Yale University, decide di dedicarsi completamente alla pittura. Non è una scelta semplice: Rothko attraversa gli anni della Grande Depressione, insegna arte e partecipa a iniziative pubbliche come il Federal Art Project del programma governativo WPA, che sostiene gli artisti americani.

Nel 1935 fonda il gruppo The Ten, collettivo di pittori determinati a opporsi all’arte tradizionale dominante nelle gallerie statunitensi. È l’inizio di una ricerca intensa, in cui Rothko sperimenta linguaggi e influenze diverse, dalla mitologia alla psicoanalisi.

Dal mito al sogno surrealista

Tra la fine degli anni Trenta e la metà dei Quaranta la pittura di Rothko si muove in territori ancora figurativi ma già carichi di tensione simbolica. Le sue tele si popolano di figure enigmatiche, creature ibride e atmosfere sospese che ricordano il mondo del sogno.

In questo periodo l’artista guarda con attenzione al Surrealismo e alle sue tecniche, come il disegno automatico. L’idea è liberare l’immaginazione dalle strutture razionali e lasciare emergere forme primordiali. Le opere di questi anni vengono presentate anche nella galleria newyorkese di Peggy Guggenheim, uno dei luoghi più rivoluzionari della scena artistica americana del tempo.

Ma per Rothko non si tratta di un punto d’arrivo. È piuttosto una fase di transizione verso qualcosa di completamente nuovo.

La rivoluzione del colore

Alla fine degli anni Quaranta avviene la svolta che cambierà per sempre la storia dell’arte contemporanea. Rothko abbandona progressivamente ogni riferimento figurativo e si concentra su grandi tele attraversate da campiture di colore morbide, sovrapposte e fluttuanti.

Queste superfici vibranti non sono semplici composizioni astratte: sono spazi emotivi. Rothko non vuole che lo spettatore “osservi” un quadro, ma che lo viva. Per questo invita spesso a guardare le sue opere da vicino, quasi entrando fisicamente nella pittura.

Le sue tele diventano monumentali, avvolgenti, capaci di generare un silenzio quasi religioso. L’artista parla di tragedia, estasi, destino umano. Il colore diventa un linguaggio universale.

Il dialogo con il mondo

Negli anni Cinquanta e Sessanta Rothko raggiunge la piena maturità artistica. Le sue opere vengono esposte nei principali musei internazionali, dall’Art Institute of Chicago alla Biennale di Venezia.

Nel 1958 accetta una commissione per il prestigioso ristorante Four Seasons all’interno del Seagram Building di New York. Tuttavia, dopo aver completato i dipinti, decide di ritirare il progetto: non vuole che le sue opere diventino semplice decorazione per un ambiente mondano. Quelle tele saranno successivamente donate alla Tate di Londra e oggi costituiscono uno dei cicli pittorici più celebri dell’artista.

Il suo lavoro continua a evolversi verso tonalità sempre più profonde e contemplative, fino ai grandi cicli degli anni Sessanta.

La pittura come meditazione

Uno dei progetti più intensi della sua carriera è la realizzazione delle opere destinate alla Rothko Chapel di Houston, commissionata dai mecenati Dominique de Menil e John de Menil e progettata dall’architetto Philip Johnson.

Qui Rothko crea quattordici tele monumentali immerse in tonalità scure e profonde. Lo spazio diventa un luogo di meditazione, una cappella non confessionale dove la pittura dialoga con il silenzio e con l’interiorità dello spettatore.

È forse la forma più pura della sua idea di arte: un’esperienza spirituale condivisa.

Rothko a Firenze: un incontro inatteso

La mostra fiorentina mette in luce proprio questo aspetto: il rapporto tra la pittura di Rothko e la tradizione artistica italiana. In un contesto come Firenze, dove il passato rinascimentale è onnipresente, le sue superfici cromatiche assumono una dimensione ancora più intensa.

Le sale di Palazzo Strozzi permettono di osservare l’evoluzione del suo linguaggio passo dopo passo, fino alle opere più celebri. Il percorso espositivo crea un dialogo silenzioso tra l’astrazione americana e secoli di storia dell’arte. Non è solo una retrospettiva: è un’esperienza sensoriale, quasi cinematografica.