Dall’8 ottobre 2025 all’8 marzo 2026, Palazzo Bonaparte si trasforma ancora una volta in un santuario dell’Art Nouveau, accogliendo la retrospettiva più ampia mai dedicata ad Alphonse Mucha. Con più di 150 opere dal Mucha Museum di Praga, la mostra Alphonse Mucha. Un trionfo di bellezza e seduzione — curata da Elizabeth Brooke e Annamaria Bava, con direzione scientifica di Francesca Villanti — offre un’immersione totale nell’universo visivo, simbolico e filosofico dell’artista ceco, figura centrale della Belle Époque.

Ma Mucha non è soltanto il maestro delle forme decorative: dietro le sue immagini femminili e floreali si nasconde un pensiero complesso, che intreccia idealismo politico, spiritualità esoterica e profondo attaccamento alla propria cultura.

Sarah Bernhardt, la musa che accende il mito

Tutto comincia nel 1894, quando Sarah Bernhardt, la più celebre attrice del suo tempo, affida ad Alphonse Mucha il manifesto di Gismonda. Il risultato è un’icona: una figura ieratica e solenne che conquista Parigi e inaugura lo stile inconfondibile dell’Art Nouveau.

Da quel momento nasce un sodalizio leggendario. Bernhardt diventa la musa e il volto dell’universo di Mucha: tra il 1895 e il 1900 l’artista realizza per lei i celebri manifesti di Médée, La Dame aux Camélias e La Tosca, trasformandola in simbolo assoluto di grazia e potenza.

Insieme reinventano l’immagine della donna moderna — divina, libera, magnetica — e trasformano la pubblicità in arte, la scena teatrale in mito.

Misticismo, occultismo e massoneria

Mucha nutre un interesse costante per il misticismo, l’occultismo e la filosofia spirituale. Fu vicino alla teosofia, partecipò a sedute spiritiche e già alla fine del XIX secolo si dedica a un percorso interiore che cerca di fondere arte e significato trascendente.

Nel 1898 viene iniziato nella loggia parigina del Gran Oriente di Francia, diventando così franc-massone. Questa adesione segna un momento cruciale: Mucha teorizza che l’arte debba trasmettere tre virtù fondamentali — bellezza, verità, amore — come pietre angolari dell’evoluzione spirituale dell’umanità.

L’arte diventa preghiera e mappa dello spirito

Il suo Le Pater (pubblicato nel 1899) è un’opera esoterica e simbolica sofisticata: attraverso illustrazioni per ciascuna delle frasi del “Padre Nostro”, Mucha sviluppa un percorso visivo e meditativo con simbologie spesso legate alla filosofia massonica e all’occultismo (kabbala, stelle, croci, figure archetipiche).

La sua partecipazione attiva nella massoneria prosegue anche una volta tornato in patria: dopo la fondazione della Cecoslovacchia nel 1918, Mucha contribuisce al ristabilimento della massoneria nel nuovo stato — repressa durante il dominio asburgico — realizzando disegni per logge, sigilli, coppe cerimoniali e altri elementi rituali.

Mucha rende commerciale l’arte per tutti

A Parigi negli anni ’90 dell’Ottocento, Alphonse Mucha trasforma manifesti pubblicitari in vere e proprie opere d’arte, facendo diventare anche un semplice biscotto oggetto di seduzione visiva. Lavora per la compagnia Lefèvre-Utile, che gli commissiona poster, calendari e packaging per i suoi “biscuits” — protagonisti non più marginali, ma elevati alla dignità estetica delle parole, dei fiori e delle figure femminili.

Con queste immagini Mucha democratizza il senso del bello: un manifesto di biscotti diventa elemento di decorazione urbana, lusso accessibile che parla a tutti, non solo a chi frequenta salotti d’élite. Ma c’è un rovescio: nel rendere tutto merce bellissima, egli riverbera anche le contraddizioni del capitalismo nascente — dove l’arte serve il consumo, la femminilità diventa codice per vendere.

Parigi 1900: il trionfo universale di Mucha

Nel 1900 Alphonse Mucha consacra la sua fama internazionale con la decorazione del Padiglione della Bosnia-Erzegovina all’Esposizione Universale di Parigi. L’artista cura ogni dettaglio — dagli affreschi monumentali ai pannelli ornamentali, fino ai mosaici e agli arredi — trasformando lo spazio in un tempio di armonia visiva.

In questo progetto, Mucha fonde il linguaggio simbolista e l’eleganza Art Nouveau con motivi slavi e orientali, creando un dialogo tra estetica, spiritualità e identità nazionale. Le sue figure femminili, allegorie di saggezza e rinascita, si intrecciano a motivi naturali e geometrici, dando vita a un universo decorativo totale.

Il Padiglione diventa così manifesto della sua visione: l’arte come ponte tra culture, capace di unire Oriente e Occidente in un’unica sinfonia di luce, colore e spiritualità.

La missione dell’artista è di insegnare al popolo ad amare la bellezza. Alphonse Mucha

Il sogno slavo: “The Slav Epic” e l’impegno nazionale

Negli anni centrali della sua carriera, Mucha concepisce il ciclo monumentale The Slav Epic (1910-1928), venti tele colossali dedicate alla storia, mitologia e identità dei popoli slavi. Questa impresa artistica rivela il suo idealismo politico: Mucha vede nell’arte un veicolo per l’unione culturale e spirituale dei Paesi slavi e per affermare l’orgoglio nazionale ceco dopo secoli di dominazione straniera.

Il ciclo stesso è donato alla città di Praga nel 1928 con la condizione che vi fosse un padiglione dedicato alla sua esposizione permanente. Tuttavia, nel corso del XX secolo, quell’eredità conosce vicissitudini: sotto il nazismo e il comunismo, il ciclo viene nascosto, spostato, avvolto e dislocato.

Questa dimensione epica-politica rende Mucha contemporaneo: oggi la sua opera viene riletta come una riflessione sul nazionalismo, la memoria collettiva e la sfida tra identità culturali e forze sovra-nazionali.

14 luglio: morte e simbolismo rivoluzionario

Alphonse Mucha muore il 14 luglio 1939 a Praga, per una polmonite contratta poco dopo essere stato interrogato dalla Gestapo, sospettato per la sua appartenenza alla massoneria e per il suo attivismo a favore dell’indipendenza cecoslovacca. La data della sua morte, coincidente con l’anniversario della presa della Bastiglia, amplifica il valore simbolico della sua figura: il profeta dell’Art Nouveau muore nel giorno in cui l’Europa celebra la libertà.

Non è un caso ironico del destino, ma un cerchio che si chiude. Dopo quasi trent’anni trascorsi a Parigi, Mucha aveva interiorizzato la devise rivoluzionaria “Liberté, Égalité, Fraternité”, traducendola nel linguaggio dell’arte: una libertà formale che abbatte i confini tra arte “alta” e arte popolare, un’uguaglianza estetica che porta la bellezza nella vita quotidiana, una fraternità simbolica che attraversa culture e religioni.

Mucha, la bellezza rinascimentale e il ponte con Botticelli

Un aspetto centrale della retrospettiva a Palazzo Bonaparte è come Mucha renda contemporaneo l’ideale di bellezza botticelliano. Le sue donne, con lunghi capelli fluenti, panneggi eterei e posture calme, fanno eco alle figure rinascimentali: la Venere di Botticelli, ospite d’onore, diventa modello ideale — non un’imitazione, ma un rilancio dell’armonia classica nel linguaggio moderno.

Nei manifesti, nei pannelli decorativi e nelle illustrazioni Mucha fonde simbolismo, ornamento e figura umana in una narrazione visiva che riprende e rinnova la tradizione rinascimentale. I suoi tratti decorativi — archi vegetali, aureole, motivi geometrici — rimandano al disegno classico, ma sono plasmati in chiave ornamentale e simbolica, conferendo alla femminilità un’aura sacra e contemporanea allo stesso tempo.

In questo dialogo con il passato, Mucha mostra che la bellezza non è mai statica: attraverso la sua visione, il linguaggio estetico rinascimentale si reinventa, si espande nella modernità e parla alle sensibilità del XXI secolo.

Un percorso immersivo tra forme, simboli e sguardi

La retrospettiva di Mucha invita il visitatore a esplorare non solo forme e colori, ma idee antiche e rinnovate. I manifesti come Gismonda (1894), le serie The Stars (1902) o Pietre Preziose (1900), i pannelli decorativi, i disegni preparatori e anche Le Pater si dispiegano in uno spazio che vuole evocare un’esperienza sensoriale totale — ambienti, luci, profumi e musica convergono per far rivivere l’epoca della Belle Époque, ma con lo sguardo critico e seduttivo del nostro tempo.

In mostra non manca il dialogo visuale con arredi Art Nouveau, oggetti decorativi e fotografie d’epoca: ogni pezzo concorre a costruire un racconto estetico e simbolico, dove il femminile, la natura, il mito e l’ideale si incontrano.

Un omaggio all’arte che sfida il tempo

Con questa retrospettiva, Palazzo Bonaparte riafferma il suo ruolo nella scena culturale italiana — dopo menti luminose come Monet, Van Gogh, Munch, ora accoglie un altro gigante del visuale e del simbolico. La mostra — promossa da Arthemisia con il patrocinio del Ministero della Cultura, Regione Lazio, Comune di Roma, Ambasciata Ceca e collaborazioni con la Mucha Foundation e i Musei Reali di Torino — offre non solo bellezza, ma un invito alla riflessione su arte, politica, spiritualità e memoria.

Mucha torna come figura al crocevia: tra decorazione e metafisica, tra nazionalismo e universalismo, tra la bellezza fragile del tempo e la forza dell’arte che resiste.