Dal 21 marzo al 17 maggio 2026, al CENTQUATRE-PARIS, Circulation(s) Festival de la jeune photographie européenne torna per la sua sedicesima edizione come uno dei principali osservatori della fotografia emergente europea. Non una semplice rassegna, ma un dispositivo critico che intercetta trasformazioni estetiche, politiche e tecnologiche del linguaggio fotografico. Curato dal collettivo Fetart, il festival riunisce 26 artisti di 15 nazionalità, costruendo un panorama volutamente non gerarchico, dove la pluralità dei punti di vista diventa metodo curatoriale.

Una direzione a sette voci

La direzione artistica, oggi composta da sette donne (Caroline Benichou, Ioana Mello, Lucille Vivier-Calicat, Carine Dolek, Laetitia Guillemin, Marie Guillemin ed Emmanuelle Halkin), assume la forma di un organismo collettivo. Il progetto rafforza una linea già dichiarata: evitare una visione unica della fotografia contemporanea. Le scelte non cercano sintesi, ma attrito tra sensibilità diverse. Il risultato è una programmazione che non illustra un tema, ma lo produce, attraverso tensioni interne e convergenze temporanee.

Fotografia oltre il medium

La fotografia, in questa edizione, non è mai solo fotografia. Molti progetti sconfinano in installazione, video, tessile, performance, scultura. L’immagine perde la sua autonomia tradizionale e diventa superficie di attrito tra linguaggi. Questa ibridazione non è un effetto estetico, ma una condizione strutturale: le opere riflettono un mondo in cui le immagini non descrivono più la realtà, ma la rielaborano continuamente.

Narrare in un mondo instabile

Molti lavori nascono da una frizione diretta con il presente: crisi politiche, memorie familiari, identità frammentate, tecnologie di controllo. La risposta degli artisti non è mai illustrativa. Piuttosto, si costruiscono micro-narrazioni, dispositivi simbolici, finzioni operative. La fotografia diventa così uno strumento di interrogazione, più che di documentazione, spesso sospesa tra realtà e costruzione narrativa.

Sud e confini: due traiettorie italiane dell’immagine

La presenza italiana a Circulation(s) 2026 si articola in due traiettorie che, pur partendo da territori e dispositivi diversi, convergono su una stessa domanda: come si costruisce oggi la memoria attraverso le immagini. Davide Degano lavora sul Friuli-Venezia Giulia come spazio di attrito storico e culturale, dove archivi familiari e cancellazioni politiche si sovrappongono senza soluzione di continuità. In Do-li-na, la fotografia diventa un sistema di riemersione: non ricostruisce il passato, ma ne evidenzia le zone di instabilità, là dove l’identità è sempre un’ipotesi. Marco Zanella, con Mezzogiorno, sposta invece lo sguardo sul sud italiano come territorio percettivo, più che geografico. Qui la luce, la precarietà e le stratificazioni sociali costruiscono un paesaggio frammentato, dove il tempo non scorre linearmente ma si deposita. Tra i due lavori si disegna così una stessa tensione: l’immagine non come prova, ma come campo di frizione tra ciò che resta e ciò che scompare.

Memoria, archivi, genealogie

Una parte significativa delle opere lavora sull’archivio e sulla memoria. Storie familiari rimosse, genealogie coloniali, identità cancellate o riscritte emergono come materiali instabili. L’immagine fotografica non certifica più il passato, ma ne mostra la fragilità. Ne deriva una estetica della frattura, dove l’archivio non conserva, ma produce interrogativi sul modo in cui la storia viene costruita.

Olia Koval e Rafael Roncato: estetiche del trauma contemporaneo

Quarantamila cimici rosse occupano un salotto: non è un’invasione naturale, ma una costruzione minuziosa che trasforma l’interno domestico in uno spazio sotto assedio. In Olia Koval, Eruption, l’invasione non è solo metafora dell’occupazione dei territori ucraini, ma dispositivo percettivo: ciò che era rifugio diventa superficie instabile, attraversata da una presenza che si moltiplica fino a saturare lo sguardo. Il progetto si struttura come un falso documento, dove un testimone, la sua stanza e il suo racconto costruiscono un archivio frammentato, in cui la realtà non viene illustrata ma progressivamente incrinata. L’immagine non spiega: disorienta, accumula indizi, lascia emergere la fragilità stessa della testimonianza.

Su un altro asse, Rafael Roncato affronta la costruzione politica del racconto contemporaneo in Tropical Trauma Misery Tour. Un’aggressione reale diventa mito fondativo, rilanciato da meme, immagini manipolate e narrazioni ibride che trasformano la cronaca in infrastruttura emotiva collettiva. Qui la finzione non è il contrario del reale, ma il suo motore operativo: produce consenso, memoria, polarizzazione. Tra i due lavori si apre una stessa frattura, quella di un presente in cui vedere non coincide più con credere, e dove ogni immagine è già una versione del mondo.

Geografie instabili e conflitti invisibili dello sguardo contemporaneo

Il politico non si presenta come dichiarazione esplicita, ma come infrastruttura discreta dello sguardo. Attraversa le immagini senza slogan, annidandosi nei loro dispositivi: nei sistemi di sorveglianza, nelle architetture digitali, nelle narrazioni nazionali e nei codici che regolano genere e identità. Alcuni progetti ne smontano i meccanismi dall’interno, lavorando sulla manipolazione dell’informazione e sulla costruzione algoritmica del reale; altri scelgono invece la scala intima, dove il corpo e la memoria diventano spazi di resistenza silenziosa. In questa tensione, il conflitto non è esterno alle immagini, ma le attraversa e le costituisce.

A questa dimensione si sovrappone una geografia mobile e non stabilizzata: i 26 artisti selezionati disegnano un’Europa priva di centro, fatta di traiettorie che si intersecano senza fondersi. Dall’Irlanda alla Lettonia, dalla Polonia al Brasile, le appartenenze si scompongono e si ricompongono in forme provvisorie. Il festival diventa così un atlante discontinuo, dove l’identità non si cristallizza ma resta in uno stato di transito, sempre esposta a deviazioni, fratture e ricombinazioni.

Focus Irlanda: identità e resistenza

Il focus 2026 è dedicato all’Irlanda e presenta quattro artisti – Ellen Blair, Clodagh O’Leary, Dònal Talbot e Ruby Wallis – che affrontano temi come identità queer, memoria politica, paesaggio e trasformazione sociale. Le opere attraversano il rapporto tra corpo e comunità, tra eredità del conflitto e pratiche contemporanee di rappresentazione. L’Irlanda emerge così non come caso isolato, ma come lente per leggere tensioni più ampie sulla costruzione del sé.

Un taglio di capelli può diventare una dichiarazione politica. In Ellen Blair, Homemade Undercuts lo dimostra con precisione: tra case, spazi LGBTQIA+ e ambienti informali, le acconciature si trasformano in atti di autoaffermazione e resistenza queer. Rasature improvvisate, colori estremi, gesti condivisi fuori dai saloni tradizionali raccontano un’altra idea di cura e identità, lontana dalle norme binarie.

Laboratori, incontri, visioni: la fotografia in costruzione

Il festival non si esaurisce nell’atto espositivo, ma si configura come un dispositivo attivo di esperienza pubblica. Accanto alle mostre, il programma apre spazi di pratica e confronto — studi fotografici, letture di portfolio, masterclass, incontri professionali — in cui la distinzione tra chi guarda e chi produce tende a ridefinirsi. Il visitatore non occupa più una posizione stabile di osservazione, ma entra in un circuito di scambio che mette in tensione produzione artistica e circolazione delle immagini. L’esperienza del festival diventa così un attraversamento operativo, più che una semplice fruizione.

Questa logica si intensifica nel week-end professionale, dove la dimensione laboratoriale assume una forma strutturata. Critici, curatori, editori e artisti lavorano su editing, stampa, scenografia e pubblicazione, seguendo la fotografia lungo tutta la sua filiera. L’immagine non è trattata come oggetto concluso, ma come processo in continuo aggiustamento, esposto alle negoziazioni tra pratica creativa e infrastrutture culturali che ne determinano la visibilità e la durata.

La fotografia come instabilità: estetiche e politiche dello sguardo

Le immagini si costruiscono su una soglia ambigua, dove attrazione visiva e instabilità del senso convivono senza annullarsi. Colori intensi, dispositivi scenici e richiami alla cultura pop producono un impatto immediato, ma sotto questa superficie si stratificano narrazioni più complesse, attraversate da conflitti politici, crisi ecologiche e processi di dislocazione identitaria. È proprio in questa distanza tra ciò che si vede e ciò che si comprende che si definisce una delle tensioni centrali del festival: l’evidenza dell’immagine non coincide mai con la sua leggibilità.

In questa prospettiva, Circulation(s) 2026 si configura come un osservatorio sullo stato di trasformazione del medium fotografico. Più che proporre una definizione stabile della fotografia contemporanea, ne registra gli scarti, le deviazioni, le mutazioni in corso. In un ecosistema dominato dalla circolazione accelerata e continua delle immagini, il festival introduce una forma di rallentamento critico: non guardare per identificare, ma per interrogare ciò che cambia nel modo stesso di vederE.

Crediti immagini:

Locandina
Davide Degano © Dolina_1
Olia Koval © Eruption_1
Rafael Roncato © Tropical Trauma Misery Tour_1
Ellen Blair © Homemade Undercuts_2